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DOS CURIOSIDADES A PROPÓSITO DEL DISCO «FIRA ENCESA» DE "MARIA DEL MAR BONET"

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Como ya comenté el pasado día 16, MARIA DEL MAR BONET acaba de publicar un nuevo disco, dedicado al gran poeta BARTOMEU ROSSELLÓ-PÒRCEL, al que ha titulado«Fira encesa». 

Puede consultarse el "cuelgue" del pasado día 16 en el siguiente enlace:

Bartomeu Rosselló-Pòrcel.

Con motivo de la edición de este nuevo disco voy comentar dos curiosidades que considero muy hermosas e interesantes.

La primera está relacionada con el escritor JUAN BONET, padre de Maria del Mar, que colaboraba en el periódico "Baleares" con una columna a la que titulaba "Los Cuadernillos".

Bartomeu Rosselló-Pòrcel murió muy joven, a los 24 años, el 5 de enero de 1938 en el sanatorio de El Brull (Barcelona) y fue enterrado en el cementerio de dicha localidad al día siguiente. Salvador Espriu, en 1958, decidió trasladar los restos mortales de su amigo a un nicho de su propiedad en el cementerio de Arenys de Mar; y veinte años más tarde, en enero de 1978, fueron trasladados de nuevo al cementerio de Palma e inhumados al lado de la tumba de Gabriel Alomar.

A María del Mar, que tanto admira a Bartomeu Rosselló-Pòrcel y su obra, le habría gustado acudir a Palma para acompañar al poeta en el traslado de sus restos, pero le fue imposible; ante esa imposibilidad habló con su padre y le pidió que fuera al cementerio el día de la inhumación y que le llevara un ramo de flores. El padre lo hizo, pero el enterramiento fue tan temprano que no encontró donde comprar unas flores; a lo que se unió una gran desolación porque aquella inhumación fue totalmente sobria; prácticamente pasó desapercibida a pesar de la grandeza del poeta.

Aquella experiencia la reflejó Juan Bonet en su columna del periódico "Baleares" con estas hermosas y entrañables palabras:


«LAS FLORES SE LEVANTAN TARDE EN LA CIUDAD»

«UNA MUCHACHA me había pedido le llevara flores. Fui aquella mañana con las manos vacías, frías y metidas en los bolsillos del abrigo • Eran las nueve cuando la tierra mallorquina daba cobijo al poeta Rosselló-Pòrcel. Por el color que apenas tenía el día parecía un amanecer. El acto civil, de dar tierra a los restos del poeta, fue tremendamente serio y sobrio. Ni parlamentos, ni lectura de poemas. En torno del poeta (recordado, retornado) parecía que el acuerdo había sido unánime: que no hubiera ningún protagonista otro. No lo hubo. • Una señora de luto se me acercó para recordarme de muchacho. Era de la familia del poeta. Me explicó que ella vivía frente al que fue mi hogar de crío. Yo, que no conocí al poeta, pude cruzarme, por lo visto, con él, que sería algo mayor y llevaría gafitas. • No tenía las flores a mano. En la ciudad las flores se levantan tarde. • Tuve que volver al día siguiente, con ellas, para cumplir con mi muchacha. Todavía fue mayor la soledad y allí y a solas recordé todo lo que ella había convertido en canción. Lo que el poeta, estremecido, había querido hacer llegar a las gentes de este pequeño, insólito y ausente país nuestro».

La segunda curiosidad que hoy voy a comentar tiene que ver con la cubierta del disco.

En 1974, cuando Maria del Mar Bonet decidió grabar un primer disco, prácticamente monográfico, dedicado a Bartomeu Rosselló-Pòrcel, el "grandísimo" pintor JOAN MIRÓ le propuso hacerle un dibujo para la cubierta, cosa que a Maria del Mar le pareció un sueño. Miró, como había prometido, creó aquella obra, y aquel mítico disco tuvo la siguiente cubierta:


Esta cubierta representa y simboliza, una barca adentrándose, o navegando por el Mediterráneo, e impulsada con la fuerza, la sensibilidad, la belleza y el canto de MARIA DEL MAR BONET. Ahora, contemplado, en el nuevo disco, la obra de Miro al completo dicha simbolización es mucho más clara  y me encanta porque viene a reafirma la profunda admiración que Miró sentía hacia la "cantautora catalana-balear "como a ella le gusta llamarse.


DE "EL KANKA" Y SU UNIVERSO - 1: UN RENOVADO AIRE SUREÑO PARA LA CANCIÓN DE AUTOR

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Manu Clavijo, El Manin y El Kanka en Libertad 8.
(Fotografía de Inés Poveda).

El pasado jueves 30 de mayo, con la Sala Libertad completamente abarrotada –"llena hasta la bandera", como se diría en términos taurinos–, asistí a un espectáculo alegre, crítico, divertido, inteligente y hermoso protagonizado por el cantautor malagueño Juan Gómez "EL KANKA".

Disfruté muchísimo, me reí un montón, y me emocioné bastante porque la vida contemplada desde la perspectiva en que la percibe, la sueña y la canta EL KANKA es realmente –y pese a todo– emocionante, ¡muy emocionante!...

«El día despierta,
yo medio "dormío",
la cosa que arde,
yo muerto de frío,
las calles me brindan
su roto y su "descosío",
yo deshilachándome el corazón,
deshilichándome el corazón mío».
("Rin rin")

Iluastración del disco  "Lo mal que estoy  y lo poco
que me quejo"
de El Kanka, (Diseño de Anabel Perujo "Pek")

Con El Kanka, desde el primer día que le escuché, antes de que grabara su disco "Lo mal que estoy y lo poco que me quejo", me volvió a ocurrir algo que a lo largo de los más de cuarenta años que llevo en esto de la música me ha pasado de vez en cuando –no con demasiada frecuencia–, y que nunca olvidaré; me refiero al descubrimiento de creadores –compositores e intérpretes– que en un momento determinado irrumpieron, de forma inesperada en el mundo de la música popular, convirtiéndose en verdaderos y bonancibles "huracanes" de renovación para la "canción de autor".

Nunca olvidaré, por ejemplo, el desembarco de Gato Pérez, en Barcelona, renovando la rumba catalana y echando a templar los resabios de la "movida madrileña"; o el deslumbramiento que me produjo Maribel Quiñones "Martirio", en la Plaza de San Andrés, de Sevilla, el 8 de marzo de 1984, cuando revolucionó la copla dignificándola con renovados aires de libertad; o la llegada de aquel "descarao", irreverente y maravilloso Albert Pla que ganó el primer premio de la "IV Muestra Nacional de Canción de Autor para Jóvenes Intérpretes" que se celebró en Jaén, en 1988, y del que tuve la suerte de ser jurado... Imposible olvidar también el impacto que me produjeron y lo importantísimas que fueron para la "canción de autor" en los años setenta Carmen Santonja y Gloria Van Aerssen"Vainica Doble" del alma–; y, ya en los ochenta, los muchachos de "La Mandrágora".

Pues bien, con El Kanka, me ha ocurrido algo muy similar a todos los casos anteriores. Estoy plenamente convencido de que –como en todos ellos– su aterrizaje en la música popular  está siendo, y va a ser, muy significativa e importante; Kanka es, desde mi punto de vista, un nuevo huracán de renovados aires sureños que está centrando y poniendo muchas cosas en su sitio en esto de la "canción de autor", y del canto popular, en general.

El Kanka. (Fotografía de Inés Poveda)

Tras escucharle cantar en el circuito habitual de las "salas-templo" de la "canción de autor" que ahora se "estilan", mi amiga Road Ramos–también cantautora de "impacto", lo quiera o no lo quiera– me contó que estaba produciendo el nuevo disco de "El Kanka". A partir de ahí le seguí más de cerca, en la distancia –como a mí me gusta–, y cuando salió el disco esperado me lo compré, lo eescuché y definitivamente me quedé "enganchao", no ya a El Kanka –que lo estoy y mucho–, sino a lo que yo llamaría el "Universo Kanca", en el que Juan Rubio "El Manin", por ejemplo, resulta un personaje –tremendo músico– imprescindible.


En la primera escucha de "Lo mal que estoy y lo poco que me quejo" se me mezclaron tres sensaciones y experiencias muy positivas y agradables:

• Por una parte, una gran "sorpresa". Me esperaba un disco bueno, pero no algo tan novedoso y alucinante en todos los sentidos. A ello contribuye, sin duda, el "equipazo" de músicos del que El Kanka supo rodearse: "El Manin"–que no puede ser mejor músico y persona–, Emanuel Pérez "Gato", Alejandro Jordá, Samuel Vidal–¡cuanto le admiro y le aprecio!–, Aure Ortega, Jesús Sánchez, Juan Rojo, Joge Piculate, José Manuel Lucas, Iván García, Antonio Laborda, Piti Martínez y Pedro Chillón, María Rozalén y mi chica Ramos dirigiendo la orquesta... (Imposible dejar de citar, por supuesto, a Anabel Perujo "Pek" que se encargó del diseño)... En fin, todo un buen equipo con mucho "corazón".



• Por otra parte, el disco de "El Kanka" me proporcionó el "placer de disfrutar" con las historias, las melodías y los "guiños" que aquellas canciones me brindaban. Me he escuchado el disco muchas veces y siempre me aporta y me sugiere algo nuevo; es un disco repleto de grandes y de pequeños –pero muy hermosos– hallazgos poéticas y musicales.

• Y, en tercer lugar tuve, y la mantengo, la sensación de "esperanza" y de alegría" porque lo que estaba escuchando, o sea, el Universo Musical y Poético que El Kanca está creando supone realmente una renovación y una verdadera innovación que felizmente nos llega –oportuna, y muy a tiempo–, para "airear saludablemente" a nuestra "canción de autor ", e inyectarle una buena bocanada de alegría que falta le hace. ("Canción de autor" hoy, en cierto casos, "por cierto", bastante anquilosada, aburridilla, falseada y, últimamente, incluso con pretenciosas intencionalidades "mesiánicas" que en realidad no le pertenecen).

El Kanka, (Fotografía de Inés Poveda).

Todo lo que he escrito hasta aquí, en este primer cuelgue sobre El Kanka, en realidad podría sintetizarse y concretarse con orgullo –porque también me siento Sur– diciendo que a este cantautor malagueño le habita y le rebosa ese "genio andaluz" que reivindicaba Blas Infante; "genio" constituido por el optimismo; por un apasionado sentimiento de alegría y de festivo humorismo, que no se contradice con la "seriedad solemne" cuando es necesaria; y genio andaluz, a la vez, poseedor de una inmensa exaltación imaginativa, y preñado de una encantadora sencillez, que es lo que en estos últimos tiempos vengo reivindicando como el gran valor de la "humildad".

Y por hoy, le pongo freno a mi entusiasmo "kakantiano"–que también es "maninsero"– y dejo para un segundo "cuelgue" la realización de un análisis mas minucioso del "Universo Kanka" y de lo que él llama sus "cancioncillas". Será dentro de unos días, a partir del próximo jueves, a la vuelta de Calatayud, con la exposición "Y la palabra se hizo música" ya inaugurada.

«¡TIPITÍ-TIPITÁ, A CANTIJUGAR!» - 2

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El trabajo fotográfico –y de amor hacia la "canción de autor"– que está realizando INES POVEDA ("CAROLINA TIPITÍ-TIPITÁ") es admirable, muy extenso y de mucha calidad; tan extenso que hoy voy a plantear un nuevo "cantijuego" con sus fotografías. 

Con las 25 de hoy, más las 25 del "cantijuego" del domingo pasado, ya van 50... y todavía da para más..., hasta el punto que ya os anuncio un próximo «¡TIPITÍ-TIPITÁ, A CANTIJUGAR! - 3.

Inés Poveda

El "cantijuego" de hoy, está muy claro, se trata de identificar y ponerle nombre a cada una de las cantautoras y cantautores que aparecen en las 25 fotografías siguientes.

Y como siempre para "cantijugar", o hacer un seguimiento del "cantijuego", utilizaremos el apartado  de "comentarios" que aparece al final del "cuelgue".

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EVIDENTEMENTE, CON ESTOS "CANTIJUEGOS",
QUEDA CLARO Y DEMOSTRADO QUE 
¡AQUÍ CANTAMOS COMO QUIEN RESPIRA!

"...Y LA PALABRA SE HIZO MÚSICA" EN CALATAYUD - 1: «¡GALOPA CABALLO CUATRALBO, JINETE DEL PUEBLO, AL SOL Y A LA LUNA»

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Esta tarde llega a Calatayud la exposición «...Y LA PALABRA SE HIZO MÚSICA»... 

Y la "canción de autor" sigue "galopando"
«Galopa caballo cuatralbo, jinete del pueblo, al sol y a la luna».

Mañana se inaugurará en el Centro Asociado de la UNED.

En la fotografía utilizada para el cartel de la exposición aparecen:
Enrique Tierno Galván, Emilio Gastón –Justicia de Aragón entre 1988 a 1993–
y José Antonio Labordeta, en un mitin celebrado en la plaza de toros de
Zaragoza, con motivo de las elecciones democráticas celebradas en junio de 1977.

Este es el texto que he escrito para presentar esta muestra que lleva ya varios años viajando por Latinoamérica y España:


«Allá, a mediados de los años cincuenta, Blas de Otero, advirtiendo que la imprenta se había convertido, de pronto, en aguacil que emprisionaba las palabras entre rejas de líneas, afirmó con rotundidad: «La palabra necesita respiro..., porque el poeta es un juglar o no es nada».

Frente a aquella afirmación –compartida por otros muchos poetas de la época–, en aquellos mismos años, surgió una generación de jóvenes creadores, españoles y latinoamericanos –apasionados amantes de la poesía y de la libertad–, que decidieron tomar los versos de nuestros más grandes poetas –y los suyo propios– para echarlos a volar por las calles en forma de canción, y conseguir, así, que la gente –eso que se llama el pueblo– pudiera encontrarse con ellos y disfrutarlos.

Hecho o acontecimiento del que el poeta Jesús López Pacheco se hacía eco, en 1986, diciendo: «Hoy los cantantes han recogido la vihuela de los trovadores y han venido a liberar la poesía. A fuerza de música y de voces –jóvenes y hermosas–, sacan a los poetas a la calle, y los sacan más vivos, como resucitados –algunos– por la guitarra».

Han pasado los años, y aquella palabra hecha música –que es la llamada “canción de autor”– se ha multiplicado, y ha llegado a convertirse en un nuevo género musical y poético de extraordinaria importancia artística, social y cultural; género en el que se ensamblaron músicos y poetas, y al que, solidariamente, se unieron un gran número de artistas plásticos que crearon y ofrecieron sus obras para ilustrar –en las carpetas de los discos– aquel canto rebelde y esperanzado.

A todos aquellos poetas, músicos, intérpretes y artistas plásticos que hicieron posible, en España y Latinoamérica, que la palabra se hiciera música, les rendimos ahora nuestro homenaje a través de esta exposición en la que recogemos una reducida, y, a la vez, significativa muestra de su presencia y de sus latidos; latidos esperanzados y solidarios –canciones del alma– que siempre acudieron a nosotros confidenciándonos, en el fondo, lo mismo que dijo Fito Páez en una de sus canciones: «¿Quién dijo que todo está perdido? Yo vengo a ofrecer mi corazón».




La exposición se clausurará el día 20 de junio a las 20:00 con un concierto de MARÍA JOSÉ HERNÁNDEZ que se celebrará en el Salon de Actos de la UNED.


En próximos "cuelgues" iré haciendo una serie de crónicas de la exposición: su llegada a Calatayud –esta tarde–, el montaje que lo realizaremos mañana por la mañana, y la inauguración... De momento lo que puedo deciros es que estoy muy contento...

¡NUESTRA CANCIÓN DE AUTOR GALOPA, 
VUELA, Y SIGUE VIVA!.

"...Y LA PALABRA SE HIZO MÚSICA" EN CALATAYUD - 2: «EL DESEMBARCO»

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Es muy tarde; acabo de llegar a esta "casa de la Dolores" que me acoge en Calatayud; solo quiero dejaros unas cuantas imágenes que hablan por sí solas; son imágenes –sin palabras– del "desembarco" de la exposición «... Y la palabra se hizo música» en el Centro Asociado de la UNED, donde mañana será inaugurada... 

... Y LA "CANCIÓN DE AUTOR" SIGUE VOLANDO,
¡COMO QUIEN RESPIRA!...


















"...Y LA PALABRA SE HIZO MÚSICA" EN CALATAYUD - 3: «LA INAUGURACIÓN»

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Ayer, día 4 de Mayo, a las siete y media de la tarde inauguramos la Exposición«...Y LA PALABRA SE HZO MÚSICA» en el Centro Asociado de la UNED en Calatayud. Fue un momento precioso y entrañable en el que una vez más celebramos que en este país nuestro –de norte a sur, y de este a oeste–, «CANTAMOS COMO QUIEN RESPIRA».


Colección de imágenes expuesta en vitrinas.

Os dejo seguidamente algunas imágenes del acto de inauguración, 
y, al final del cuelgue, la imagen y el contenido de uno de los "rinconcillos"
de la exposición que a mí, personalmente, más me gusta y me emociona.

De derecha a izquierda: Álvaro Jarillo (Vicerrector de la UNED),
Julio Fuentes (Director del Centro Asociado de Calatayud)
y Fernando González Lucini.
Fue para mí un inmenso placer realizar la primera visita
guiada a la exposición inaugurada ayer en Calatayud.

ESTE ES EL "RINCONCILLO" DE LA EXPOSICIÓN 
AL QUE ANTES ME REFERÍA:



Es un panel compuesto de nueve cuadros en los que se presentan nueve textos fundamentales que hacen referencia a la identidad y a la importancia de nuestra "canción de autor". Esos textos son los siguintes:

«Durante la larga postguerra que muchos de nosotros hemos compartido, hubo una no menos larga lucha de reconstrucción de la razón popular. Muchos fueron los materiales de resistencia que sirvieron a esa reconstrucción, materiales de memoria, tenacidad, sacrificios, gestos, silencios. [...], canciones que combatieron la mentira franquista con la verdad duplicada de la letra y la música». (MANUEL VÁZQUEZ MONTALBÁN).

«Hasta las más altas hipótesis de las ciencias hay que hacerlas poesía, que es el alimento que recibe el pueblo...; no hay doctrina que se asimile mientras no se haga poesía... El pueblo necesita que le canten, que le rían que le lloren, mucho más que que le enseñen». (MIGUEL DE UNAMUNO).

«Es cierto que la vida en ocasiones –largas, largas a veces– nos amarga. Y es preciso sacarnos su amargura, a gritos, de la boca. Eso hicieron los “cantautores”: contagiarnos desesperadamente su esperanza... Un ramo de esperanzas sonoras, vociferantes, contestatarias... Una esperanza en marcha que se echó a cantar por los caminos apasionadamente». (ANTONIO GALA).

«Cantemos como quien respira. Porque eso es la libertad, porque es decir que somos quienes somos, porque eso es el amor: respirar o cantar. Porque ambas cosas son la misma: Poesía». (GABRIEL CELAYA)

«Y ocurrió que quienes tenían voz para expresar la esperanza de  los adormecidos rebuscaron entre 
las piedras para encontrar de nuevo el vocablo preciso, la frase acertada, el redoble de conciencia... Nuevos bardos recordaron que su oficio consistía en importunar con la solicitud de quien no se resigna a ser mendigo, en el tono bronco de quien sabe exigir lo que le corresponde». (CARLOS ÁLVAREZ).

«En tiempos de ignominia como ahora a escala planetaria y cuando la crueldad se extiende por doquier fría y robotizada aún queda mucha buena gente en este mundo que escucha una canción o lee un poema: ellos saben muy bien que la patria de todos es  el canto, la voz y la palabra; única patria que no pueden robarnos. Por eso digo una vez más: que nadie piense o grite no puedo más y aquí me quedo». (JOSÉ AGUSTÍN GOYTISOLO).

«¡Cantad alto! Oiréis que oyen otros oídos. ¡Mirad alto! Veréis que miran otros ojos. ¡Latid alto! Sabréis que palpita otra sangre. No es más hondo el poeta en su oscuro subsuelo encerrado. Su canto asciende a más profundo cuando, abierto en el aire, ya es de todos los hombres». (RAFAEL ALBERTI).

«Si la poesía y, en ella, la canción, fueron “un arma cargada de futuro”, los sentimientos políticos suscitados por nuestros cantautores, lejos de oscurecer los problemas, los pusieron de manifiesto en un pujante movimiento de solidaridad. Se trataba con él, nada menos, que hacer caer la “estaca” a la que estábamos todos atados».(JOSÉ LUIS ARANGUREN).

«Veo ahora el cancionero general de los “cantautores” y compruebo que es el cuerpo legal de las esperanzas de una generación... Luis Eduardo Aute le puso música a las claras del día que anunciaban el fin de la larga noche de la dictadura... La democracia era tan alegre como una estaca, la de Lluís Llach, que había que derribar a golpe de guitarra... El parte meteorológico de las esperanzas democráticas nos lo daba nuestro hombre del tiempo, Pablo Guerrero, quien nos anunciaba que tiene que llover a cántaros». (ANTONIO BURGOS).

... Y LA PALABRA SE HIZO MÚSICA. "PUEBLO DE ESPAÑA, ¡PONTE A CANTAR!" (7ª Parte)

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Continuo la copia de un nuevo apartado de mi libro
"Crónica cantada de los silencios rotos" (1998);
concretamente el titulado: 
«Pueblo de España, ¡ponte a cantar!» (6), que hace 
referencia al nacimiento de la "nueva canción vasca".


Continuo la crónica sobre el nacimiento de la "nueva canción vasca" y, en particular –en primer lugar– sobre el trabajo musical y poético desarrollado por el colectivo "EZ DOK AMAIRU"; crónica ya iniciada en el "cuelgue" que puede leerse, o consultarse, en el siguiente enlace:


En 1970 el grupo "Ez Dok Amairu" decide montar un espectáculo llamado "Baga, biga, higa" con el que acudieron a Barcelona, presentándolo durante tres días en el teatro Romea.


Recuerdo que era un espectáculo extraordinario; una de esas experiencias en las que te sumerges y experimentar que el hecho de la comunicación puede establecerse más allá de las palabras y por encima de las lenguas; era un espectáculo en el que se utilizaba un "lenguaje total", es decir, en el que la palabra se hacía música, danza, ritmo, gesto, cuerpo y color. Aquella fue, desde mi punto de vista, la aportación más original que Euzkadi hizo al movimiento de la "nueva canción". Concretamente, en el programa de mano que se entregaba a la entrada del espectáculo aparecía el siguiente texto:

«Hace unos años formamos un grupo que pretendía ser reflejo y embrión de una tarea colectiva y seguimos trabajando en grupo. Sentimos la necesidad de hacerlo así; de expresarnos en materia artística conjuntamente. Los recitales los enfocamos de manera que lo importante no sea la individualidad del que canta, buscamos algo más pleno, buscamos una mayor profundidad en la relación cantante-público.



La base de nuestro grupo es la canción-musica-instrumentos populares, y al profundizar en esta forma de expresión pensamos que surge la necesidad de una colaboración y aprehensión de otras formas artísticas afines como la danza, la poesía, el teatro, etc. Creemos que la expresión artística moderna es cada vez más compleja y ha de ser cada vez más total, y que es imprescindible cada vez más en la esencia de lo popular, e irla plasmando, a su vez, en nuestra realidad cambiante».

Pasados dos años (1972) el colectivo "Ez Dok Amairu" comenzó a escindirse como consecuencia de la propia evolución musical e ideológica de sus componentes; finalmente se reduce a los hermanos Artza, Mikel Laboa y José Mari Zabala, quienes montan un nuevo espectáculo al que llamaron "Ikimilikiliklik".



Por su parte, Xabier Lete y Julen Lecuona, junto con Antton Valverde y varios cantantes vasco-franceses ponen en marcha otra iniciativa similar: "Zazpiribai".


Todos los participantes de la obra Zarpiribai.
(Existe una grabación realmente histórica en la que Xabier y Antton nos ofrecen parte del repertorio de aquel espectáculo; en concreto, varias canciones de José Manuel Lujanbio, "Txirrita", nacido en 1860 y considerado un clásico de los cancioneros tradicionales).


Y hablando de grabaciones, considero muy importante valorar la presencia en Euzkadi, durante estos años, de tres sellos discográficos que apoyaron la edición y la difusión de los creadores vascos; me refiero a "Herri-Gogoa"–un sello de Edigsa–, "Artezi" y "Elkar". Posteriormente surgirían "Iz" y "Xoxoa".

Junto a los músicos y a los cantantes que hasta aquí he citado, paralelamente al colectivo "Ez Dok Amairu" o a partir de sus influencias, surgieron otros muchos grupos, dúos y solistas que nos ofrecieron creaciones, la mayoría, de un gran interés sociológico, y muchas de ellas de una gran calidad poética y musical. Sería largo hacer una minuciosa enumeración de todas esas aportaciones a la nueva canción vasca y, aunque lo intentara, estoy convencido de que siempre cometería el error de dejar a alguien en el olvido. No obstante, quisiera evocar varios nombres que, particularmente, para mí, fueron muy significativos:

En primer lugar, no puedo menos que recordar a ese hombre grande de cuerpo, de corazón y de sensibilidad llamado Imanol Larzabal. Luego de su experiencia en el grupo "Argia" y la realización de una especie de peregrinaje cultual de pueblo en pueblo –lo que él llamaba "guerrilla cultural"– se le acusa de organización y propaganda de actividades terroristas y, tras el lamentable proceso de Burgos (1971), se ve obligado a exiliarse en Francia, donde graba sus primeros discos y sigue cantando hasta 1976, año en que nuevamente puede volver a España. 


Imanol. (Fotografía de Juan Miguel Morales)

¡Bendito sea aquel terrorismo ejercido por Imanol!; un terrorismo que no mataba, sino que lo único que hacía es tomar la canción y la poesía como "arma cargada de futuro" –así nos lo enseñó Celaya– para explosionar bocanadas de libertad, reventar las ansias de vivir y disparar contagiosos latidos de amor y de esperanza. (Lamentablemente Imanol falleció en el año 2004, es decir, seis años después de que yo escribiera lo anteriormente leído).


«Ilun-ikarak azken argia / uxatu dizu urrutira, / zeru-sapaian izar bakanak / itzal etzanei begira, / ilun-txintako sorgin-usaiak / espazioan dirdira. / Mendi-hegitan argi-oroitza / eguzkiaren keinua, / baso beltzean hosto-firfira / gauezkoen erreinua. / Itsas-txoriak txio-txioka / harat-honako haizetan, / berde argien edertasuna / more motelduz uretan, / txalupa geldi kulunkarien / isladarekin hizketan. / Parke ixileko banku txuria / ezpain beroen lankide, / antsi zaharrak zantzu berritan / bihotz gordinen senide, / tristura hegan paseatzen da / arratsaren solaskide. / Gau-ezkilaren oihartzun hotsa / irrixtatzen da kolokan, / zirrrara mutu baten gisara / maitearen soinekoan, / bakardadea sekretuekin / korapiltzen den zokoan. / Itxas-aideak gesalez dakar / murmuriozko solasa, / suspiriotan ezin jarioz / pena lurrinduen hatsa, / haize boladak txikordatzen du / maiteminduen jolasa». ("Ilun ikarak". Mikel Arregi - Karlos Jiménez).

«A lo lejos la luz ahuyenta / la luz del atardecer / Y yo mirando las rezagadas estrellas / oigo el murmullo de la oscuridad / y el embrujo de la noche / brilla en el espacio. / Recuerdo de luz en las lomas, guiño de sol, /en la noche más alta / tiemblan las hojas / del negro bosque. /Cerca del mar, en los tamarindos / reinan las olas. / Chillan las gaviotas / volando libremente, / el hermoso verde luz / se difumina en el agua. / Y las quietas barcas, meciéndose / conversan con la isla. / En el banco blanco del silencioso parque, cómplice de labios ardientes, / rejuvenecen ansias antiguas / de corazones inmaduros, / y la tristeza alada /v se solaza en el atardecer. / El estruendoso eco  / de la campana nocturna / se desliza como un temblor, / bajo el vestido de la amada /hay un rincón donde, con sus secretos, / se encierra la soledad. / El aire marino trae envuelto en salitre / un rumor de palabras, / no se desahogan / en suspiros las penas, / una ráfaga de viento trenza / el juego de los enamorados». ("Ilun ikarak". Mikel Arregi - Karlos Jiménez).

Al hablar de Imanol quisiera evocar también a Karlos Giménez, el extraordinario pianista que habitualmente le acompañaba y que siempre lograba –y sigue logrando– emocionarme.

Otros dos entrañables cantores de la zona vasco-francesa que me gustaría recordar y destacar son Pantxoa Carrere y Peio Ospital; recuerdo que cuando me llegaba alguno de sus discos, escucharlo para mí era una fiesta, tenían la virtud de esponjarme el alma reafirmando mi fe y mis ganas de vivir. Difícilmente podré olvidar dos de sus canciones grabadas en 1975:


«Maitasuna, zoin behera! 
Denetako kantu bera... 
Alta, nere arabera, 
maitasunez itoak gera... [...]
Maitasuna, o maitasun! 
Zerutikako oihartzun! 
Bihotz guzien osasun! 
Argi bizi denian ilun!»
("Maitasuna")

«¡El amor, cuán escaso! / Es la eterna canción... / Pero yo creo que el amor nos envuelve por todas partes... [...] / ¡Amor, oh amor! / ¡Eco del paraiso! / ¡Fuerza vibrante del corazón! / ¡Luz de nuestras tinieblas!». ("Maitasuna")


«Irria, esperantza xori,
gure anaientzat mezulari
Gau egun beltzetan kantari
geroko bizi berriari...
Ezpain bihotzetan irria,
kanta, mutil, libertatia!
Zabal munduari egia!
Nausituko da justizia!
Irria, irria, irria, irria».
("Irria")

«La risa, pájaro de esperanza / mensaje para nuestros hermanos... / Que brilla como canción en la noche negra / anunciando un radiante amanecer... / ¡La risa en el corazón y en los labios / cuando cantes, joven, a la libertad! / ¡Esparce al mundo tu verdad! / ¡Que la justicia triunfará! / Por la risa». ("Irria").

Por otra parte, inevitablemente, debo traer a estas páginas, de una manera muy especial, dos nombres de mujer: Maite Idirin, con su verso y su canto revolucionarios y comprometidos con el pueblo y la lengua vasca –¡Euskera, jalgi hadi plazara! (¡Que el euskera salga a la calle!)–, con los campesinos, o en defensa de la igualdad de la mujer, y Lupe, que, con su voz entrañable íntima, nos decía: «Erreka bat bezala / mendi tartetik sartsen, / ihes egiten dugu itsasoa bilatzen, / Azkatasunik galdu gabe». («Igual que un río, / metiéndose por el monte / vamos corriendo buscando el mar / sin perder la libertad»).

Y además, entre otros, Urko, Gontzal Mendibil, Iñaki Eismendi, Txomin Artola, Aitor Badiola, Errobi, Hibai Rekondo, Xavier Amuriza, Fernando Unsain, Patxi Villamor, Miren Aramburu, Gorka Knörr o Amaia Zubiria; muchas de estas voces tuvieron un papel importante en el periodo de la transición democrática y a ellas me referiré, de una forma más concreta, cuando nos detengamos en el análisis de esa etapa de nuestra historia.

Natxo de Felipe.

Finalmente, para cerrar este plano, podríamos convocar a Natxo de Felipe para que el grupo Oskorri pusiera las últimas notas de esta danza solidaria, que a ritmo de canciones, nos unió, a  muchos, con Euzkadi. Y mientras suena la guitarra, la flauta, el txistu, la gaita, la txirula y la mandolina, volvemos a cambiar de plano...


«Gu gaituzu Oskorri
zuri, berde eta gorri
umorez gara etorri
zuen guztion pozgarri».

«Aquí estamos tus Oskorri:
hemos venido con humor 
blanco, verde y rojo
que alegra a todos».

En el próximo "cuelgue" nuestra crónica cantada se aproximará al "pueblo gallego".

«MARTA GOMEZ»: DE COMO EL ARTE Y LA SENSIBILIDAD PUEDEN NO TENER LÍMITES.

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El origen de mi "universo sonoro" rebosa por sus cuatro "costaos" música y canciones de América Latina. Tengo muy claro que las raíces de mi pasión y de mi sensibilidad hacia la "canción de autor" también vienen de allí... Bebí y fueron mis nutrientes Violeta, Víctor, Atahualpa, Margot Loyola, Guarany, Anibal Sampayo, Cabral, Viglietti, Mercedes, Tejada Gómez, Chabuca, mi Chavela... y ¡tantos y tantos!... –la "nueva trova" llegaría más tarde–. Lo fueron también aquellos otros que tuvieron que exiliarse o emigrar y a los que me unió, y me sigue uniendo, una linda amistad: Olga y Manuel, Indio Juan, Quintín, Claudina y Alberto, el otro Alberto –el gran Cortez–, Carlos Montero, Rafael Amor, o durante un tiempo Zitarrosa.

Recién llegado a Madrid alimenté mi libertad y mi sensibilidad de "peña" en "peña", donde fui realizando una entrañable y directa aproximación a la música y a la canción latinoamericana...; ¿cómo olvidar, por ejemplo, las noches y las madrugadas en «Toldería»?



La Sala Toldería, situada en la calle Caños Viejos –junto al Viaducto–, 
en el Madrid de los Austrias, se inauguró el 24 de marzo de 1974, 
comoCentro Folklórico Iberoamericano, y permaneció abierta hasta
finales de los años noventa. Fue una sala de conciertos calificada 
por Mercedes Sosa  como “templo de la música sudamericana”. 
En el año 2008, dentro de la colección "El canto emigrado de 
América Latina", dirigí e hice la producción de un doble CD 
en el que se recogen 33 canciones recuperadas de grabaciones realizadas 
en directo durante los veinticinco años de historia de aquella mítica sala.


Cuando años después –ya en 2007– me decidí y pude escribir mis últimos libros sobre la historia de la "canción de autor en España" –«... Y la palabra se hizo música»–, no lo dudé ni un segundo, uno de los tres tomos que publiqué estuvo dedicado al «El canto emigrado de América Latina».

Recuerdo que estaba finalizando aquel libro, cuando un buen día Carles Francino me hizo una entrevista en las mañanas de la SER para charlar –como siempre– de la "canción de autor"; estando allí sentado –en el estudio–, y antes de que empezara a entrevistarme, escuché una canción –no recuerdo su título– interpretada por una voz absolutamente fascinante que personalmente desconocía; pregunté quien cantaba y me informaron que se trataba de una "cantautora" colombiana llamada MARTA GÓMEZ.

Marta Gómez. (Fotografía Xavier Pintanel).

Nada más llegar a casa me puse a investigar, o sea, a buscar a Marta, entrando en internet "a saco" Finalmente di con ella, escuché algunas de sus canciones, compré uno de sus discos y me quedé totalmente "enamorao". Lógicamente aquel mismo día la incorporé al libro que estaba finalizando –aparece concretamente en las páginas 370 y 371–.

Más recientemente los buenos amigos Xavier Pintanel y Juan Carles Martinez me pusieron en contacto con ella, me hice con todos sus discos, los disfruté un montón, y a partir de ahí, este "menda" anda completamente "flipao" con la belleza, la sensibilidad, la voz y la humanidad de esta cantautora, yo diría que de todas las Américas y de España –¡claro está!–. Digo lo de España porque es así, y además porque si se me olvidara menuda "bronca" me echaría Federico García Lorca que también anda bastante loco por ella, sobre todo, a partir de la edición de su disco "El corazón y el sombrero"dedicado al poeta granadino. Ya comenté ese disco hace unos meses.  Ver:



No voy a repetir lo que escribí en aquel libro editado en 2007, porque hoy lo que más deseo es haceros llegar el impacto que me ha causado ver y escuchar a Marta cantar por primera vez en directo; fue el pasado 28 de mayo en la Sala Galileo de Madrid. ¡IMPRESIONANTE!

Lo que había experimentado sensitivamente escuchando sus discos y sus vídeos, se "miltriplicó" teniéndola cerquita y gozando de su voz, de su música y de su hermosa capacidad comunicativa en el escenario. Estuvo acompañada de Pablo Cruz (batería y percusión), Pablo Giménez (Flauta y vientos andinos y coros), Diego Abarca (guitarra, tiple, charango y coros), Santiago Greco (bajo).

Marta Gómez en la Sala Galileo Galilei.

La presencia de Marta Gómez en el escenario y el "color y la luz" que fue capaz de transmitirnos, actuaron sobre mí como si de pronto se "encarnara" en ella toda esa música latinoamericana de la que tanto he bebido y tanto amo: carnavalitos bolivianos, zambas argentinas, cuecas chilenas, puyas colombianas... ¡y que se yo!...; y junto a ello maravillosas nanas y canciones de cuna...; y el flamenco...; y la copla...; ¡y lo que se proponga!, porque su arte y sus sensibilidad no tiene límites.

A todo ello he de sumar, porque lo considero esencial, su tremenda ternura, su bello sentido de la solidaridad, su esencia linda y libre de mujer y su sencilla y cercana humanidad.

Permitidme que seguidamente os muestre cinco imágenes que mi cámara capto el pasado día 28 de Mayo en el Galileo. Creo que son tremendamente elocuentes:


Y seguidamente, gracias a Juan Carles Martinez os invito a ver el siguiente vídeo también tomado en el Galileo. Después de verlo y de disfrutarlo creo que comprenderéis los motivos por los que la música y el canto de Marta Gómez me tienen totalmente enamorado, y por los que me uno y aplaudo estas palabras, de Nicolás Buenaventura Vidal, dedicadas a ella:

"Marta nació cantando. 
En su cuna componía 
y cantaba los ruidos que la rodeaban, 
para llamar el sueño.

Marta compone para conjurar la nostalgia 
y espantar las tristezas, las suyas y las ajenas. 
Aprendió a cantarle al alma y el alma aprendió a oírla.

En su voz canta el viento, a veces se ríe un río 
y hasta se escuchan los murmullos de la tierra.

Con su guitarra, su voz y llena de ganas sigue componiendo 
los cantos que la rodean 
y las voces que le dictan las ausencias, para arrullar el silencio."



«Hace un ratote que te canto y no logro adormecerte
porque grandotes tenés esos ojos y tarda pa'que se cierren
Dormite por Dios dormite y hacele caso a tu mama.
Dormite por Dios dormite y hacele caso a tu mama.

Mi tía ya me contó que siendo vos tan chiquito
en un pris-pras te soltaste la mano para ir gateando hasta el río
que destapaste un canasto
y juntaste con la ropa todo el arroz, el pescao y el revuerto
que ella le iba a echa'a la sopa.
Dormite, por Dios dormite hacele caso a tu mama.
Dormite por Dios dormite, hacele caso a tu mama.

Yo no voy a llamar al coco, ni al diablo pa'que te asuste
Yo lo que quiero es que sonrías mi negrito lindo y tus pestañas se junten
claro que pa'que se junten, oíme pues
falta como medio rato.
Dormite por Dios dormite, mañana tengo trabajo.
Dormite por Dios dormite, mañana tengo trabajo.

De ir a la mina, cortar leña, sembrar, recoger racimos
pescar y luego de ir a vende'al mercado, caramba
Yo estoy cansada mi niño

Eh! Al fin cerraste los ojos, ahora dormí hasta mañana
yo sé que vos me entendiste vos sos un rey pa'tu mama.
Yo se que vos me entendiste, vos sos un rey pa'tu mama.
Pa tu mama sos un rey vos sos mi rey
Vos sos un rey pa'tu mama
(“Dormite”. Zulli Murillo).

Y este "cuelgue" reclama su final porque tiene prisa, quiere hacerse a la luz cuanto antes... Sin embargo no quiero dejar de hacer tres anotaciones:

Primera.Marta actuará el próximo día 13 en la Casa Amèrica Catalunya, a las 20:00 horas, en un homenaje que va a celebrarse dirigido a la grande Chavela Vargas y en el que también intervendrá Martirio.

Segunda. Marta dará otro concierto en Barcelona el día 20 de junio, en el Auditorio C.A.T.

Tercera. Recordar la discografía de Marta Gómez, a la que hay que añadir el CD "El corazón y el sobrero" al que antes hacía referencia.


«CARAVANAUTOUR 2013»: «A LA CALLE, A LA CALLE. AY QUE "GÜENO" QUE YA NOS DA EL AIRE».

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Cuando hace unos semanas Fran Fernández me habló, por primera vez, del proyecto "Caravanauour 2013" que estaba planificando junto a otros compañeros – a partir de una idea original del cantautor gaditano Kino Maján– me pareció una magnífica aventura a la que, si pudiera, me encantaría unirme como "reportero".

Pensando después en ese proyecto, me vinieron a la memoria otras iniciativas, si no iguales, si similares, que tuve la suerte y el placer de conocer y de vivir hace años y que –por supuesto en otro contexto– fueron realmente magníficas.

Una de ellas es la que el cantautor vasco Imanol emprendió en 1969; iniciativa a la que calificó como una "gerrilla cultural", consistente en la formación de un grupo de artistas que ofrecían y organizaban en las fiestas de los pueblos, diversos actos culturales de teatro, poesía y, sobre todo canción, ignorando la censura y reivindicando la libertad y la democracia para Eusskadi. «Los recitales–me comentaba Imanol– los celebrábamos en los locales de las parroquias y a continuación manteníamos con el público coloquios acerca de la cultura eskalduna. En las fiestas de los pueblos lo que solíamos hacer era juntarnos un grupo de cantantes y llevábamos con nosotros a algún txistulari. Nos poníamos a cantar en los bares, y entre bar y bar íbamos bailando por las calles al son del txistus».

La segunda iniciativa que me vino a la memoria, tras conversar con Fran, fue la acontecida en el verano de 1982; verano que se presentaba "malamente" para la canción y en el que a Fernando Jurado se le ocurrió organizar una gira colectiva a la que le pusieron el nombre de "La cuadra Jurado", integrada por los personajes que aparecen en la siguiente fotografía:

• De izquierda a derecha, de pie, Billy Villegas,
Javier Krahe, Bernardo Fuster, Teresa Cano,
Fernando Jurado
–el mánager–, y Andreas Prittwitz.

• De izquierda a derecha, sentados, Luis Villarreal, 
Óscar Astruga, Joaquín Sabina, Luis Eduardo Aute
y Luis Mendo.

Al margen de las evocaciones anteriores, lo que más me gusta del proyecto "Caravanauour 2013" es el hecho de que la canción de autor se tire a la calle, que salga al encuentro directo con la gente, y que se eche a cantar por los caminos "como quien respira"; experiencia que me evoca también aquello a lo que nos invitaba el amigo Carlos Cano en "El baile del abejorro":

«A la calle, a la calle.
Ay, qué güeno 
que ya nos da el aire.
A la calle, a la calle, 
ay, qué güeno que ya empieza el baile».




Pues bien, después de esta introducción os presento ya el proyecto "Caravanauour 2013". En esta ocasión los "cantautores" que han decidido unirse para llevarlo a cabo han sido los siguientes:

Manu Miguez, Daniel Hare, Jesús Garriga,
Julián Bozzo
y Fran Fernández.
Básicamente lo que van a hacer estos cinco creadores es eso: "tirarse a la calle a cantar", o "echarse a cantar por los caminos", desde Madrid a la Costa de Cádiz, recorriéndola entera del 11 al 21 de Julio.

Caravana musical planteada sobre todo con un objetivo: llevar sus canciones allí donde esté la gente, para que el personal descubra lo grande, lo hermosa y lo liberadora que es –y puede llegar a ser– la música y la "canción de autor"... Un gira abierta a la sorpresa y a la improvisación, en libertad, y con la presencia asegurada del "genio"... ¡de eso estoy completamente seguro!

¡Felicidades por la iniciativa!... y ya nos seguirán contando... De momento este es el primer vídeo de presentación del proyecto; un video en el que ya empiezan a despuntar esa "genialidad" a la que antes hacía referencia.

CANCIONES CON HISTORIA: «SE'N VA ANAR». RAIMON, SALOMÉ, JOSÉ GUARDIOLA, NURIA FELIU, MONCHO... Y EL V FESTIVAL DE LA CANÇÓ MEDITERRANIA, 1963.

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Hace tiempo que no traigo al blog la sección a la que en su día titulé "canciones con historia"; pues bien, esta mañana, tras reencontrarme en mi archivo con el siguiente single –editado por Discos Vergara, en 1963– he decido retomarla:


Como podréis comprobar es un single en el que Josep Guardiola interpreta, en catalán, las tres canciones que ganaron el premio del V Festival de la Cançó Mediterrania celebrado en 1963 y, más concretamente, la canción «SE'N VA ANAR» que fue la que resultó triunfadora.

El Festival de la Cançó Mediterrania surgió, en 1959, en Barcelona, y finalizó en 1967. Se celebraba en verano y llegó a convertirse en un importante acontecimiento musical transmitido por Televisión Española y Radio Nacional de España. Era un festival en el que se producía una curiosa circunstancias, o anécdota, y es que las canciones que se presentaban tenían que se cantadas forzosamente en dos versiones, una cantada por un hombre, y otra cantada por una mujer, aunque al final el premio se le concedía no tanto a los intérpretes –que también– sino a la canción en si misma.

En el año 1963 –en pleno franquismo– la canción ganadora del festival fue «SE'N VA ANAR», canción compuesta por  Josep Maria Andreu y Lleó  Borrell que fue interpretada y defendida en catalán por dos "intérpretes", en el fondo tan distintos como SALOMÉ y RAIMON.


Grupo de participantes en el V Festival de la Cançó Mediterrania.
Salomé y Raimon con el trofeo en sus manos.

Seguidamente os propongo escuchar la canción «SE'N VA ANAR» en varias versiones. En primer lugar vamos a escuchársela cantar a Salomé en un vídeo que recoge su actuación en el Palau de les Nacions, de Barcelona, durante la celebración del festival:


«¡Cuánto tiempo ha pasado!
¡Cuanta noche, dentro de mi!
En lo alto, la ciudad
hacia donde, quizá, el/ella ha huído.

Se fue, en un luminoso día.
Yo no sé si a un país muy lejano.
Se fue hacia allá y no sé si volverá

Se fue.
Me dió su mano;
un adiós no necesita palabras.
Se fue y su mirar
aun no he podido olvidar.

Díme si es la verdad,
que más allá sólo hay día.
Díme si donde ahora estás
se encuentra al fin la alegría.

Se fue.
Me dio su mano.
Lo que quiso decir, que sería?
Se alejó hacia allá
y jamás regresará...».
(“Se fue”. Josep Maria Andreu /Lleó  Borrell)

«Tant de temps que ha passat! / Dintre meu, tanta nit! / Dalt del cel, la ciutat / on potser / ella ha fugit. / Se'n va anar / en un dia molt clar. / Jo no sé / si a una terra llunyana. / Se'n va anar / cap enllà. / No sé pas / si tornarà. / Se'n va anar, / va donar-me la mà, / que a un adéu / no li cal cap paraula. / Se'n va anar / i un mirar / m'ha quedat per recordar. / Digue'm, amor, si és ben cert / que més enllà fa bon dia. / Digue'm, si mai que un es perd / és que ha trobat l'alegria. / Se'n va anar, / va donar-me la mà. / Jo no sé / quina cosa em diria. / Se'n va anar / cel enllà / i mai més / no tornarà». (“Se’n va anar”. Josep Maria Andreu /Lleó  Borrell)

A continuación –pulsando el siguiente enlace encontrado en "goear"– podemos escuchar la versión de Raimon tal y como aparece grabada en uno de sus singles editado en 1963:



De la canción «SE'N VA ANAR» se han realizado muchas versiones, entre ellas os propongo escuchar tres: la interpretadas por Nuria Feliu, por Moncho y por Josep Guardiola:




La versión de Josep Guardiola la podemos escuchar en el siguiente enlace de "goear":

«EL BAÚL DE MIS RECUERDOS» - 6 - «ENCONTROS»: UN HISTÓRICO PROGRAMA DE TV GRABADO EN GALICIA (1ª Parte)

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Hoy vuelvo a abrir "EL BAÚL DE MIS RECUERDOS" para ofreceros un vídeo en el que vamos a poder ver y disfrutar un histórico programa de televisión grabado en directo para la TV Gallega en diciembre de 1986.

Este programa titulado genéricamente "ENCONTROS"–primer "programa de debate" que se emitió en la historia de Televisión Gallega– fue dirigido y presentado por LUIS ÁLVAREZ POUSA; escritor, profesor universitario y periodista muy próximo al género de la "canción de autor". Como curiosidad, merece la pena resaltar que fue, por ejemplo, el autor de la letra de "Sementeira", una de las canciones más conocidas y hermosas del grupo gallego "Fuxan os Ventos".

En aquella ocasión participamos en el programa los compositores y cantantes gallegos MIRO CASABELLA, EMILIO CAO y BENEDICTO; RUPER ORDORIKA representando a la canción vasca; y FERNANDO GONZÁLEZ LUCINI, o sea, yo, defendiendo y analizando, como siempre, el género de la "canción de autor".

Como pura anécdota decir que el programa se emitió la noche de fin de año –arbolito de navidad incluído– y que –como podrá verse en la segunda parte del programa, que colgaré próximamente– lo finalizamos con un entrañable brindis por todos los músicos y "cantautores" del país...

He aquí algunas imágenes tomadas del Programa "ENCONTROS":

Cabecera del programa.
Luis Álvarez Pousa, director y presentador del programa "ENCONTROS"
"De xoglares e cantautores", documental con el que se inició el programa.
Benedicto que intervino en el documental inicial
puesto que no pudo participar del programa.
Participantes en el debate ocupando sus puestos en el plató.
Miro Casabella.
Emilio Cao.
Ruper Ordorika.
Fernando Gonzalez Lucini.

Y sin más, cuelgo el "vídeo"; hoy la PRIMERA PARTE con una duración de 35:03 minutos. La segunda parte la colgaré a lo largo de la semana.



Por último permitidme una pequeña reflexión: Aquellos eran tiempos en los que, aunque se decía que se estaba prodiciendo una crisis de la "canción de autor", se hacían programas de TV como éste que aquí hemos podido ver hoy.

Yo, en este momento, no me pregunto "qué fue de los cantautores"; lo que sí me pregunto es: ¿Qué fue de los periodistas y de los medios de comunicación que le dedicaban a la "canción de autor" programas y espacios como ENCONTROS, LA TARDE o LA CLAVE–y más que iremos viendo–? ¡Es una vergüenza!... Estamos viviendo un momento en el que están surgiéndo buenísimos jóvenes "cantauotores" por todo el país, y, a la vez, un momento de pobreza cultural albsoluta y radical en los grandes y medianos medios de comunicación... Algo tenemos que hacer, ¡y es urgente!

EDULIBRA. DE COMO LA PALABRA Y LA MÚSICA SE CONSTRUYEN MUTUAMENTE "A ABRAZO PARTÍO".

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Hoy voy a dedicar este "cuelgue" a otro joven "cantautor" de los que han conseguido atraparme musical y sensorialmente. Hay quienes piensan –y a veces me lo dicen– que soy "hombre fácil" en esto de sentirme atrapado por la "canción de autor"; os puedo asegurar que no; lo que pasa es que con aquello que escucho, que no me gusta, que no me parece bueno, o que me deja insensible, prefiero no hablar, es decir, no decir nada. Después de todo ¿quién soy yo para criticar o juzgar a nadie?... Ahora bien, lo que descubro que me emociona, y que me parece que tiene calidad, lo proclamo a los cuatro vientos justificando mi entusiasmo y, por supuesto, con toda mi alma.

Pues bien el "cantautor atrapador" del que deseo hablaros hoy se malla Eduardo Griñán"EDULIBRA".

Edulibra.

Mi encuentro con su música y sus canciones ha sido lento y progresivo. Escuché su primer disco hace unos meses y me gustó mucho, luego lo he visto y le he sentido cantar un par de veces, y en la última –que fue en la pequeña salaN del T, de Madrid– su música y sus canciones consiguieron finalmente seducirme de forma irremediable; tanto que ayer mismo iba en el metro escuchando su disco "La máquina deseante" (2012) y me pasé de estación, fue justo en el momento en que cantaba aquello de «Gira tu mundo / que todo te cambia / no te quedes quieto / renueva esa savia».


Con este primer disco de Edulibra he revivido una experiencia perceptiva que ya he experimentado con anterioridad pero que no es demasiado frecuente. Normalmente cuando hablo de "canción de autor" hago referencia a aquello de que en ella "la palabra se hace música"–y es cierto, porque es uno de sus fundamentos e identidades–; pero en casos como el que protagoniza Eduardo a esa afirmación es imprescindible darle un matiz diferenciador.

En "La máquina deseante" y, en general, en el trabajo de composición y de interpretación que realiza Edulibra, la palabra y la música "no se hacen la una a la otra", sino que surgen al unísono e inseparables –"se hacen entre sí mutuamente"–, sincronizando latidos; "ensambladas, compartiéndose, potenciándose"...; y juntas, –"a abrazo partío"–, es como si emprendieran, en cada canción, una misma trayectoria en la misma dirección: la estimulación de los deseos, de los sentidos, de las emociones.

Palabra y música "amarraditas" y funcionando –como a Edulibra le gusta– como si fueran una "máquina deseante": "respirando, caminando, luchando, forjándose lejos de las imposturas, aprendiendo a amar, a desear, a buscar lo que más conviene, lo que nos da alegría y al mismo tiempo nos hace crecer". Palabra y música construyéndose, la una a la otra, para abrirnos de par en par a la vida real, y desafiándonos a vivir felizmente aunque tenga que ser "fuera de la ley".

Edulibra presentando su disco.

Y todo cuanto acabo de decir, o sea, todo cuanto encierra y aglutina la obra musical y "cantora" de Eludibra tiene su origen, desde mi punto de vista, en que nos encontramos ante un creador al que le fluye la música y la sensibilidad de forma espontánea y a borbotones; un creador creado en la música –le fascina la música brasileña y se nota–, y que, además, domina perfectamente el arte "guitarrero". ("Guitarrero–le diría Alfredo Zitarrosacon tu cantar me vas llenando la luz del alma».

También hay que decir y destacar que en la grabación del disco "La máquina deseante", Eduardo ha sabido rodearse de compañeros músicos de tremenda calidad como Jesús Gea Marcos "Trules" (contrabajo), Anonio García Lupo (trompeta), Abrahan García Blanco (percusión), o Dj Tano (scratch). (No quiero olvidarme, aunque en otro contexto, de Rosa Tortosa por sus ilustraciones , diseño y maquetación de la obra).

Ilustración de Rosa Tortosa que acompaña, en e libreto del disco,
a la letra de la canción "Todo es mentira".

Pero hay algo más en las canciones de Edulibra. Es evidente que en ellas queda reflejado como él –personalmente– se hace y canta de lo que vive, de lo que percibe en su entorno, y de lo que la vida y el entorno le hacen sentir; pero hay algo más –algo que para mí es una exigencia para toda aquella persona que optan por el camino de la creación y de la comunicación– y es que, a ese sentido de la cotidianidad –de la "vivicidad"– se une, en él, la sabiduría adquirida de la lectura y de la reflexión.

Por ejemplo, este joven cantautor me ha sorprendido y me ha conducido, casi incondicionalmente, a su terreno –o sea, ha logrado engancharme–, cuando de repente en sus conciertos me cita a Erich Fromm, y me habla del libro "El arte de amar"; quizá uno de los libros que han sido más fundamentales en mi vida, junto con "El miedo a la libertad". Pero además la cosa no queda ahí, en una cita –pura y dura erudición que no convence–, ¡no!...; sino que tras la cita va y me canta una canción en la que, con ese mismo título: "El arte de amar", es capaz de "musica-verbalizar" el complejo y profundísimo pensamiento de Fromm:

«Un rio, / un libro, / un camino , / un hermano / una señal de stop, / parar, / respirar, / saludar, / hablar, / besar, / caminar, / ceder, / pedir,/ dar, / respirar. / En blanco, / en negro, / escribir, / soñar, / tachar, / rescribir, / repetir, / volver. / Que quiero, / que quieres, / me gusta, / te asusta, / señal de stop, / parar, / respirar. / Deseos, / necesidades, / momentos,  / sin prisa, / calma. / Ahora, / y de niños, / ahora,  / de grandes, / parar de pensar / y respirar! / ME PREGUNTAS  / DE QUÉ TE VALE / POR AMOR AL ARTE / NO GANO MÁS / QUE APRENDER  / EL ARTE DE AMAR. / Lo fácil, / difícil, / sus cadenas / las mías, / ofensas, / defensas / caras / y espejos. / Enredos, / placeres, / abrazos / y lios. / Soltar, / ceder, / parar, / respirar». (“El arte de amar”).

Podría seguir hablando y escribiendo largamente sobre de las canciones de Edulibra y sus referencias vitales y sociales –cantautor puro–: "Un mundo nuevo", "El progreso", "Deja huella", " La soledad del corredor de fondo", "Vuelvo a mí", "Pasa el tiempo" o "Todo es mentira", pero por hoy no quiero alargarme más –ya habrá tiempo–... O voy a dejar con su canción "Todo es mentira" y con un guiño final:


El guiño al que antes hacía referencia está dirigido a Alex Martínez, que mimó el sonido en el último concierto de Edulibra en N del T y que le acompañó a la guitarra en una de sus canciones.

Edulima y Alex Martínez en N del T

MANUEL CUESTA. CUATRO APROXIMACIONES A SU TRABAJO COMO COMPOSITOR, COMO INTÉRPRETE Y COMO AMIGO.

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Manuel Cuesta.

Esta noche, a las 21:30, en la Sala Galileo Galilei, de Madrid, MANUEL CUESTA cierra una etapa importante de su aventura musical y poética como "cantautor" ofreciéndonos un último concierto –por el momento– hasta el estreno de su próximo disco.



Con este motivo me ha parecido oportuno, y de justicia, recoger, AQUí DONDE LA PALABRA SE HACE MÚSICA, cuatro aproximaciones fotográficas y documentales a su trabajo como compositor y como intérprete.

PRIMERA APROXIMACIÓN: 
SEVILLA. ENTRE AMIGOS EN LA "CARBONERÍA".
FINALES DE LOS AÑOS NOVENTA

Alfonso del Valle, Manuel Cuesta, Chiqui y Joaquín Calderón
en "La Carbonería" (Sevilla)
Alfonso del Valle, Chiqui Calderón y Manuel Cuesta
en "La Carbonería" (Sevilla)
Manuel Cuesta, Joaquín Calderón y Alfonso del Valle.

SEGUNDA APROXIMACIÓN: 
"MÁGICA MÚSICA" (2001).
«AUTO-GRAFÍA»

En el número 18 de la "Hoja volandera musical, independiente y gratuita: MÁGICA MÚSICA" (invierno 2001) –editada por Máximo García BenítezMANUEL CUESTA publica el siguiente artículo:



«Han transcurrido ya cinco años de mi itinerancia como cantautor, he recorrido cuantos cafés, bares y pequeños teatros he podido, para hacer cada vez más partícipe de mis canciones a la gente de mi ciudad, Sevilla. Allí comparto estas historias en un refugio muy acogedor llamado "La Carbonería", el lugar que me ha visto crecer como músico durante ese tiempo.

Subirse a un escenario es una terapia  muy sana, para mí necesaria, se trata de un viaje a través de la memoria sentimental. De ponerse en perspectiva, de desnudarse... Como retratarse con un pincel invisible sobre un lienzo imaginario.

Además de un camino hacia la inmediata comunicación, cantar me ha servido de instrumento para compartir luchas, sensibilizar conciencias dormidas y demostrar que no somos tan diferentes unos de otros. Que mi guitarra sirve también para denunciar injusticias no sólo para mostrar mis sentimientos.

Manuel Cuesta.

Desde hace sólo un par de meses me enfrento a un nuevo reto: hacer llegar mis canciones al público madrileño. Cuando llegas a la capital a dejar maquetas por los locales del círculo de cantautores todos te pintan un paisaje tosco, feo y difícil sobre este mundillo. Pero un sueño no se derrumba tan fácilmente, hay que seguir creyendo en lo que uno hace. Tener paciencia. Por fin me confirmaron las primeras actuaciones, y me hicieron hueco en sus locales.

Os invito a todos a formar parte de esta quimera particular que quizá algún día se haga realidad, os invito a adentraros en mi universo urbano. A escuchar mis canciones que hablan de las realidades sociales, de la libertad sexual, de la mujer, del hombre, de búsquedas, de miedos, de otoños y falsas primaveras, de ombligos y, por supuesto, de amor.

Dejé apartada mi carrera de maestro de Educación Física por venir aquí y mostraros mi osadía, conquistar a más público... Y porque disfruto escuchando escuchando a Leonard Cohen o a Sabina, los sensuales susurros de Najwa Nimri, las conversaciones intensas y repletas de anécdotas, la buena comida, hacer el amor, el mar, los crepúsculos coloridos, el café con espuma, poner punto y final a una canción, la honradez y como no, las grandes utopías como norte cotidiano...

¿Y vosotros? ¿Con qué disfrutáis? ¿Qué es lo que os hace palpitar?... Si coincidís al menos con cinco cosas de las que os he mencionado, os invito a visitar estas canciones, a empaparos y a salpicaros con ellas. 

Un abrazo. Y buscadme por un lugar no lejano.


Manuel Cuesta.

TERCERA APROXIMACIÓN: 
SU DISCOGRAFÍA
... Y el sueño se va haciendo realidad

"Perfil de juglar" (2000)
"El sonido de lo inevitable" (2001)
"Divertimento" (2002)
"De amores y utopías" (2003)
"Días rojos" (2005)
"Dingo bar" (Con Joaquín Pérez Azaústre) (2007)
"La vida secreta de Peter Parker - 1" (2009)
"La vida secreta de Peter Parker - 2" (2011)
"Hay una luz" (2012)

CUARTA APROXIMACIÓN: 
ÁLBUM FOTOGRÁFICO
"ENTRE AMIGOS", SEGUNDA PARTE
Manuel Cuesta con...

En la gala benéfica de Amigos de Calcuta con el Coro Pequeña Annuba.
Con su Banda.
Con Ismael Serrano.
Con Pablo Sciuto.
Con Adán Latomda y Garret Wall
Con Fran Fernández.
 Con Alejandro Martínez.
Con Pablo Guerrero.
Con Rodolfo Serrano.
Con Ismael y Alejandro Romano
Con Victor Alfaro, Luis Pastor, Paula de Alba, Cinta Leiva y Fran Fernández.
Con Lucía Caramés.
Con Alfonso del Valle.
Con Joel Reyes (Malacabeza).
Conmigo.

DISCOS RESCATADOS: «LA GUERRA Y LA PAZ». PABLO PICASSO Y FRANÇOIS RABBATH

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Hoy vamos a rescatar un disco –concretamente un single– de extraordinario valor. Se trata de una obra en la que se expresa una hermosa y apasionada exaltación de la PAZ y, a la vez, una clara condena de la GUERRA. Los protagonistas de esta exaltación pacifista son PABLO PICASSO y FRANÇOIS RABBATH.

A Picasso todos y todas le conocemos –es sin duda uno de nuestros más importantes pintores y escultores contemporáneos–; a François Rabbath estoy convencido de que muchos le hemos escuchado tocar su "contrabajo", tal vez sin saber que esa música que escuchábamos, y nos seducía, procedía de su sensibilidad.

François Rabbath es un importante contrabajista y compositor francés de origen sirio, que aparte de sus extraordinarias obras de composición –como la que hoy voy a presentar– ha acompañado con su contrabajo a numerosos grandes cantantes como Jacques Brel, Serge Gainsbourg, Charles Aznavour, Michel Legrand, o Paco Ibáñez. Concretamente ha acompañado a Paco en la mayoría de sus discos, y, más recientemente, en el último que ha editado: "Paco Ibáñez canta a los Poetas Latinoamericanos" (2012).

Pablo Picasso y François Rabbath.

En concreto el disco que hoy vamos a rescatar es el siguiente:


En este disco se recoge la obra musical, para contrabajo, que compuso François Rabbath en homenaje a Pablo Picasso con motivo del 90 aniversario de su nacimiento. Obra estrenada por François en un concierto celebrado, el 24 de octubre de 1971, en la capilla del castillo de Vallauris (Francia), conocida como "Capilla de la guerra y de la paz" porque en sus muros interiores Picassó pintó, en 1952, dos de sus obras maestras, una dedicada a la paz, y la otra a la guerra.

Picasso iniciando una de sus pinturas en los muros
de la Capilla de la Guerra y la Paz en Vallauris. Año 1952.
Capilla de la Guerra y la Paz en Vallauris.

En este cuelgue quiero mostraros, en primer lugar, el maravilloso diseño que se realizó de este disco por parte de su editora, la compañía discográfica francesa "Moshé-Naïm"; un diseño en el que se pone claramente de manifiesto el hermanamiento que se produjo en los años setenta entre la música y la pintura contemporánea. Un hermanamiento formal que en realidad simbolizaba y proclamaba una clara solidaridad y un clamor unísono en defensa de la libertad, de los derechos humanos y, en este caso, particularmente, en defensa de la paz.

Reproducción que aparece en el disco sobre
el cuadro-mural de Picasso, sobre LA GUERRA.
Reproducción que aparece en el disco sobre
el cuadro-mural de Picasso, sobre LA PAZ.

A las ilustraciones anteriores, en la carpeta del single –que se compone de diez partes– aparecen también otras cuatro ilustraciones documentales: dos dedicadas a Picaso y otras dos a François Rabbath:



En las anteriores ilustraciones dedicadas a Picasso aparece escrito en francés un texto en el que el artista nos habla de su obra en la capilla de Vallauris:

«...Yo quería  pintar tal como se escribe, con la velocidad del pensamiento, al ritmo de la imaginación.  Habían meses, años, en que yo era como todo el mundo, estaba obsesionado con la amenaza de la guerra, habitado por esa angustia y ese odio, y por el deseo de luchar contra la angustia y el odio.
... Comencé por la Guerra. Lo primero que se impuso a mi fue el paso desequilibrado  y traqueteante de uno de esos miserables coches fúnebres de provincias, que no hacen sino cruijr, y que se suelen ver pasar por las calles de las ciudades pequeñas. Comencé por la derecha y fue alrededor de esa imagen que se construyó todo el resto».

«... Ninguno de mis cuadros ha sido pintado, por lo que respecta a la superficie cubierta, con tanta rapidez. Había llenado blocs enteros de croquis, de detalles, pero no tenía ningún esbozo del conjunto.
...Los dos paneles se adaptan a los dos lados de la capilla, abovedados tanto el uno como el otro. Así, el "Sol", que se encuentra en la cima de la Paz, no estará en la parte alta del fresco, sinó por encima de la cabeza del espectador. No hay mucha claridad en esa capilla, y casi desearía que no la
iluminen, que los visitantes lleven velas en la mano, que se paseen a lo largo de las paredes como en las grutas prehistóricas, descubriendo las figuras, que la luz se mueva sobre lo que he pintado...».

Seguidamente reproduzco las dos ilustraciones documentales dedicadas a François Rabbath:




Seguidamente os voy a ofrecer un video en el que se puede escuchar el tercer movimiento de la obra de música contemporánea creada por François Rabbath a la que vengo haciendo referencia.


Para concluir este "cuelgue", y como curiosidad estética –¡son muy hermosos!–, voy a ofreceros una ampliación de cuatro de los dibujos a línea, de Pablo Picasso, que aparecieron más arriba en pequeñito:
LA PAZ


LA GUERRA


Y, ya que estamos, 
aprovecho una vez más para decirlo:

¡MALDITAS GUERRAS!

(La traducción al castellano de las palabras de Picasso ha sido
una colaboración extraordinaria y generosa de Miquiel Pujadó y Xavier Pintanel).

«EL BAÚL DE MIS RECUERDOS» - 7 - «ENCONTROS»: UN HISTÓRICO PROGRAMA DE TV GRABADO EN GALICIA (2ª Parte)

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Abro hoy, de nuevo, "EL BAÚL DE MIS RECUERDOS" para ofreceros la SEGUNDA PARTE del programa-debate "ENCONTROS", de la TV Gallega, que se transmitió en directo, en diciembre de 1986, sobre el tema de la "canción de autor".

La "primera parte" puede verse pulsando el siguiente enlace:



En este programa, dirigido y presentado por Luis Álvarez Pousa, participamos Miro Casabella, Emilio Cao, Ruper Ordorika y yo, "mismamente".


Revisando la grabación –no había vuelto a verla desde el año en que se emitió el programa– me ha llamado la atención, sobre todo, la total vigencia de todos, y de cada uno, de los temas que abordamos sobre la identidad y la historia de la "canción de autor", y, en particular, sobre la historia y la evolución de la que fue "la nueva canción gallega" surgida a partir de la formación –en 1968– del grupo de compositores conocido como "VOCES CEIBES", entre los que se encontraba, precisamente, Miro Casabella, presente en el programa.

Miro Casabella.

El planteamiento de estos "Encontros" era magnífico, sobre todo porque una vez finalizado el programa de televisión nos desplazamos a Radio Nacional donde mantuvimos un diálogo directo –vía radio-telefónica– con todas las personas que estaban interesadas en el tema. Recuerdo que aquello duró hasta muy altas horas de la madrugada.

Como puede verse en las siguientes imágenes, y aún mucho mejor en el vídeo, al final del programa hicimos un "solemne brindis" por la "canción de autor" que personalmente mantengo y sigo renovando día tras día sin ningún tipo de "emborrachamiento"; ¡todo lo contrario!... con una tremenda y apasionada lucidez para seguir diciendo aquello de que¡CANTAMOS COMO QUIEN RESPIRA!



Y sin más preámbulos, aquí os dejo el vídeo de la segunda parte del programa de la TV Gallega: ENCONTROS... ¡Espero que lo disfrutéis un montón!


SOL DE NOCHE (Radio) - PRESENTACIÓN

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Lo anunciaba hace unos días en mi muro de facebook y hoy voy poner en marcha el proyecto anunciado: Se trata de reservar un "rinconcillo" en el blog para recuperar e ir guardando algunos de los programas de radio que creé y desarrollé, fundamentalmente en Radio Popular, entre los años 1986 y1990.

Estos programas los he conservado grabados en casettes durante 25 años, y ahora, gracias a Ramón Moratalla–que me está animando y me está prestando una ayuda imprescindible para poder hacerlo–, vamos a irlos recuperando porque creemos que tienen interés, no solamente como documentos sonoros con un cierto valor histórico, sino también, muchos de ellos, como desarrollos y contenidos radiofónicos de total vigencia.

Antes de explicar cómo voy a plantearme la organización y el diseño de este "rinconcillo radiofónico" de aquí DONDE CANTAMOS COMO QUIEN RESPIRA, voy a contar cual es el origen del título que le he asignado: «SOL DE NOCHE (Radio)»

Fue el 22 de agosto de 1986. Veraneaba en un precioso pueblo de la sierra madrileña llamado Los Molinos. Aquel verano lo pasé entero en los alrededores de Madrid porque me había comprometido con la dirección de Radio Popular en hacer mi programa de radio a diario, es decir, de lunes a viernes, durante los meses de julio y agosto. Programa que se titulaba ya entonces como este blog: "DONDE LA PALABRA SE HACE MÚSICA.


Dibujo que creó y me regaló mi hijo Javier en el año 1987.
Lo realizó con trece años y está dedicado al programa de radio
"Donde la palabra se hace música".

Aquella mañana del 22 de agosto, como todos los diás, salí temprano de casa para comprar el pan y el periódico –siempre he sido bastante fiel al el diario El País–. Hice una parada, también como siempre, en un bar que recuerdo se llamaba "El Tropezón", y mientras me tomaba un "cafetito", realicé una primera lectura rápida de los titulares del periódico.

De repente en la columna dedicada a la "Radio" –dentro de las páginas culturales– me encontré con un artículo –que ocupaba toda una columna– titulado "SOL DE NOCHE". Me entró la curiosidad por saber su contenido y me puse a leerlo; y resultó que sin esperarlo –os prometo que no lo esperaba, no podía ni soñarlo– el artículo estaba dedicado a mí y a mi diario programa de radio. Lo firmaba el escritor Ángel García Pintado–al que no conocía personalmente– y decía así:

«Hay otras maneras de poner discos, alejadas de las adormideras vociferantes de los superventas. Se puede comprobar escuchando "Donde la palabra se hace música" que dirige y presenta Fernando Lucini de lunes a viernes por la COPE. Durante media hora, a partir de las once de la noche, el dial situado al este del edén invoca insistentemente la llegada del sol en plena noche. Se trata del edén del cantautor trascendente expresándose en lengua vernácula. El pinchadiscos resulta tan atípico como las canciones convocadas; sus comentarios breves, intensos y sentidos se mueven entre la depresión y la esperanza, la melancolía y el regocijo de la fe. Por el tono general se podría deducir que nos hallamos ante unos ejercicios espirituales de la posmodernidad metafísica, una especie de catequesis melódica que nos augura la salvación por deleitables caminos reflexivos.

El paraíso perdido se encuentra al final del laberinto, Se pasa por momentos difíciles "en que la niebla nos ciega" y "nos sentimos confundidos con el gris de las aceras, momentos de tanta ceguera que llegamos a ignorar el porqué y el para qué de todo lo que somos y de todo lo que hacemos". Entonces Silvio Rodríguez canta "yo no sé por qué estoy cantando y por qué estoy viviendo, etcétera...". A ello sucede esa voz que puede surgir invitándote a dejar de mirar la vida en blanco y negro y que te arenga a que el arco iris sea tu color ("cuéntame la vida en tecnicolor, ponle color a tus angustias...", porque "la vida está tan bonita que da gusto verla. Verso de Serrat que Lucini sabe hacer como nadie carne de su carne, que parece nacer de sus entrañas.




El guión del programa presenta el ritmo y la estructura de un poema y llega a conseguir la unidad de una misa. Obseso del sol de medianoche, el sacerdote cultiva entre sus feligreses esa promesa convertida en "leit-motiv", en fijación casi paranoica. Es tan disculpable esa manía como incuestionable queLucini nos quiere a todos por igual, nos quiere reunidos en el lugar amplio y generoso en el que ya se escuchan campanas: "Escúchalas en ti mismo, tañen de alegría, son las campañas cristalinas de la ermita de la vida".

No se conforma con una relación distante, pasiva o profesional con sus feligreses. Advierte que quiere sentir sus latidos en la noche, saber quienes son, uno a uno... Alienta contactos epistolares que alberguen confesiones íntimas. Ellos responden a la llamada –¿cómo dejar de hacerlo?– y le mandan cartas que hablan de amistad "nacida al rescoldo mágico de una voz y unas canciones".

El oficiante vuelve cada noche con la misión de unir en la esperanza y en el despertar de un nuevo día, para "hacer de la desdicha suerte y así poder caminar hasta el momento de la muerte...". Tanta comunión podría resultar empalagosa, pero las dotes indudablemente taumatúrgicas de este comunicador, en alianza con una selecta e inspirada elección musical, hacen inviables empalago y ridículo. Más bien constituye un oasis radiofónico donde podría estar naciendo una nueva secta: oídos sentimentales en espera de que "cualquier noche pueda salir el sol"».

Tras la lectura del artículo me quedé "como en una nube", fue como uno de esos "besos en la boca que de vez en cuando te da la vida" –de los que habla Serrat en su canción "De vez en cuando la vida"–... Ángel García Pintado, sin conocerme personalmente captó a la perfección lo que yo deseaba y quería hacer en la radio, y, sin saberlo, se convirtió en el máximo impulsor de los cinco años de trabajo más hermosos y más importantes de mi vida profesional; mis cinco años de radio.

En fin, explicado el origen del título de esta sección del blog, cierro este "cuelgue" y os anuncio que hoy mismo, a lo largo del día, empezaré a publicar los primeros "podcast" –o audios en formato vídeo– de algunos de aquellos programas radiofónicos. Hoy, concretamente, publicaré dos de aquellos programas dedicados  al gran poeta LEON FELIPE.

SOL DE NOCHE (Radio) - DOS PROGRAMAS DEDICADOS A "LEÓN FELIPE"

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Programa de radio: «DONDE LA PALABRA SE HACE MÚSICA».
Serie poetas: "A LEÓN FELIPE" (1ª Parte)
Guión, dirección y presentación de Fernando González Lucini
Técnico de sonido: Lola Molina
Realización: Ramón Moratalla
Emitido por Radio Popular en febrero de 1987

Canciones y poemas:
• Canta PACO IBAÑEZ: Como tú.
• Recita LEÓN FELIPE: Como un pulgón.
• Canta ADOLFO CELDRÁN ¡Que pena!
• Recita PACO RABAL: ¡Que lástima!
• Canta AGUAVIVA: Poema hermano
• Canta ADOLFO CELDRÁN: Contadme un sueño
• Recita LEÓN FELIPE: Romero solo



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Programa de radio: «DONDE LA PALABRA SE HACE MÚSICA».
Serie poetas: "A LEÓN FELIPE" (1ª Parte)
Guión, dirección y presentación de Fernando González Lucini
Técnico de sonido: Lola Molina
Realización: Ramón Moratalla
Emitido por Radio Popular en febrero de 1987

Canciones y poemas:
• Recita LEÓN FELIPE: Versos del caminante
• Canta PACO IBÁÑEZ: No me contéis más cuentos
• Canta PACO IBÁÑEZ: Parábola
• Canta JOAN MANUEL SERRAT: Vencidos
• Canta LUIS PASTOR: Canción marinera
• Canta AMPARO OCHOA: Como tú
• Canta JOSIANA: Versos sueltos de cada día de RAFAEL ALBERTI

NADA MEJOR EN LOS TIEMPOS QUE CORREN QUE UN «CANTIJUEGO PARA LA ESPERANZA»

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Pués sí, en los "tiempos que corren" es imprescindible que realimentemos y revivamos la fuerza de nuestra ESPERANZA... Recordar aquello de Lluís Llach: «¡Esperais demasiado! Pues sí, claro, y no nos avergüenza ser esclavos de la ESPERANZA».

Es éste el motivo por el que hoy domingo vuelvo a nuestros más clásicos "cantijuegos": para cantarle a la "ESPERANZA" y para reafirmarnos en ella.

A continuación vas a encontrarte con 24 fragmentos poéticos tomados de 24 canciones.¿A qué canción pertenece cada uno de estos fragmentos? ¿Quién o quiénes son sus autores?

Y ahora... ¡A "CANTIJUGAR"!..., ¡y mientras "cantijugamos" a realimentar nuestra ESPERANZA! (Como siempre para participar, o hacer el seguimiento del juego, puedes utilizar el apartado de comentario que aparece al final del "cuelgue".


1
«Vengo a traerte con mi voz un canto de esperanza
pues nos empujan designios de gozo y de luz».

2
«Alguna vez a todos, a mi mismo,
nos ha crecido un árbol en las manos,
o el mar sobre la fuerte,
o la esperanza, como alfombra tendida
a nuestro paso».

3
«Siempre existen más alternativas
cruzar campo a través,
dejar el camino atrás,
ejercita la libertad...
tu puedes verte otro final...
un mundo nuevo»

4
«Siempre quedan esperanzas
agarrandose a mid piernas
porque así siento ganas de vivivir».

5
«De cerca me llega el rumor
de un mañana no muy lejano,
corriendo por un camino,
la luz le abre paso».


6
«Levantaos con el alba
y veréis el sol salir
rojo como una granada.
Veréis que le mundo dormido
dentro de la luz renace
y todo surge más bello
de lo oscuro de la noche».

7
«Sé que algún día, los trigales
se cubrirán de amapolas
y un aroma de pan tierno
subirá hasta los balcones».

8
«¡Sí!, ganaremos la esperanza.
La esperanza de vivir
libres y en paz».

9
«Creo firmemente en el futuro
que con sus manos mi clase está amasando,
que en nuestros hijos se presiente de risas,
y en esta lluvia que nos viene mojando».

10 
«El viento trae acordes.
hay que aprender sus sonidos,
convertir cada nota en un paso
del camino que lleva al nuevo canto».


11
«Desbrozando cada uno el suyo
y entre todos el nuestro
ampliemos sin  interrupción
el camino humano».

12
«Ya viene la alegría...,
ábranse en par las puertas de la vida
y se cubran los ríos de gallombas,
que doblen las campana,
huyan veneno, espinas y serpientes».

13
«Termina la larga noche,
ya clarea la mañana,
ya se va lo oscuro y triste,
ya alumbra la luz del alba».

14
«Florecerán los besos sobre las almohadas...
El odio se amortigua detrás de la ventana.
¡Dejadme la esperanza!».

15
«Mucho más allá de mi ventana
mi esperanza jugaba a una flor,
a un jardín,
como esperando abril».


16
«Después de la tormenta
acaba saliendo el sol,
después de la oscuridad
nos alumbra un nuevo amor,
después de un terremoto
que conmueve el interior
un paisaje nuevo nos decubre la pasión».

17
«Si la oscuridad ronda ciudades
cercadas por la muerte.
Si te busco en una mar de sombras
y no consigo verte...
Si un puñal de tristeza me asaltara
en estos tiempos raros.
Si una lluvia de ceniza
y miedo se extiende por los campos,
miraré al sol».

18
«Que llueva una tormnta de esperanza...
Qué llueva con fuerza el milagro
y venga trayendo ilusión
Que llueva esperanza en el mundo
que inunde nuestro corazón…»

19
«Digo amor, digo esperanza,
digo paz, digo consuelo,
digo alegría, y un velo
pone el hombre a mi confianza».


20
«A ver si Europa se entera
que no hay quien ponga barreras
al sueño de la esperanza,
que el alma se aferra a un sueño
y el sueño mueve las barcas».

21
«Venga la esperanza, venga sol a mí.
Lárguese la escarcha, vuele el colibrí.
Hínchese la vela, ruja el motor,
que sin esperanza ¿dónde va el amor?».

22
«Pudiera ser que en el tabique oscuro
del corazón, sobre las cosas viejas,
tejiese allí su urdimbre de bonanza,
y se me hiciese luz hacia un futuro
dorado a paz, sin sombras y sin rejas:
inmensa araña azul de la esperanza»

23
«Donde crecen la mañana,
el rocío y la paloma siempre estás,
donde el Sol clava su lanza
y el otoño no se alcanza siempre estás
coloreando la esperanza con la tierra».

24
«No pierdo las esperanzas
de que esto tenga su arreglo.
Un día este pobre pueblo
tendrá una feliz mudanza».

... Y LA PALABRA SE HIZO MÚSICA. "PUEBLO DE ESPAÑA, ¡PONTE A CANTAR!" (8ª Parte)

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Continuo la copia de un nuevo apartado de mi libro
"Crónica cantada de los silencios rotos" (1998);
concretamente el titulado: 
«Pueblo de España, ¡ponte a cantar!» (7), que hace 
referencia al nacimiento de la "nueva canción gallega".


Se escucha ahora la voz de un poeta:

  Celso Emilio Ferreiro.

«O vello cantaba
unha lembranza
O mozo cantaba
unha esperanza
O neno cantaba
unha loubanza
Povo meu, 
pois que cantas, 
érguete e anda».
«Erguerémo-la espranza
sobre ista terra escura
coma quen ergue un facho
nunha noite sin lúa».

«El viejo cantaba / un recuerdo. / El joven cantaba una esperanza. / El niño cantaba una alabanza. / Pueblo mío / ya que cantas, / levántate y anda». «Alzaremos la esperanza / sobre esta tierra oscura / como quien alza una antorcha / en una noche sin luna». (Celso Emilio Ferreiro). 

Con estos versos de Celso Emilio Ferreiro nos trasladamos a Galicia; año 1960. Aunque al acercarnos a sus paisajes nuestro nuevo plano se nos inunda de un verde intenso, se percibe en el aire un desgarro:





«Chove, chove na casa do pobre
e no meu corazón tamén chove.
Dor da mau encallecida
dor da xente aterecida
de frío polos camiños.
Dor dos vellos e meniños.
Dor dos homes desherdados
e dos que están aldraxados.
Mágoa da ferida allea.
Dor dos que están na cadea
dos que sofren a inxustiza
e viven baixo a cobiza.
Mágoa e loito
por tanto pranto que escoito.
No meu peito, sufagado.
soturno, fondo, calado,
un río de amor se move».
("Chove, chove". 
Luis Emilio Batallán - Celso Emilio Ferreiro).

«Llueve, llueve en la casa del pobre / y en mi corazón también llueve. / Dlor de la mano encallecida, / dolor de la gente aterida / del frío de los caminos. / Dolor de viejos y niños, / dolor de los hombres desheredados / y de los que están ultrajados. / Pena de la herida ajena, / dolor de los que están en la cárcel, / de los que sufren de la injusticia / y viven bajo la codicia. / Pena y luto / por tanto llanto que escucho. / En mi pecho sumergido, / escondido, hondo, callado / un río de amor se mueve». ("Chove, chove". Luis Emilio Batallán - Celso Emilio Ferreiro).

La situación de Galicia, durante los quince últimos años de la dictadura, aunque similar a la del resto de los pueblos del Estado y, en particular, de los que tenían lengua propia, estaba teñida de unas características específicas que la hacían especialmente singular y dolorosa; en concreto, y a grandes rasgos, me centraré sobre aquellas que influyeron, de una forma más directa en el nacimiento de la "nueva canción gallega" y en su desarrollo desde 1967 a 1975.

Galica se encontraba herida por el zarpazo de la emigración, convertida en una huída necesaria y amarga, que el pueblo más sencillo y humilde –la que entonces se entendía como la "clase trabajadora"– no tenía más remedio que aceptar como la única esperanza posible ante la pobreza, el abandono y la falta de horizontes.


Mientras tanto, se habían ido consolidando una burguesía  y un caciquismo centralistas, desarraigados y cerriles que eran quienes en realidad controlaban y manipulaban las estructuras del poder. Recuerdo una canción de Miro Casabella en la que, interpretando otro poema de Celso Emilio Ferreiro, nos presentaba una especie de foto-robot de uno de aquellos burgueses de la época; retrato tremendamente irónico y cuajado de indignación y de rebeldía.

Esta canción de Miro la podemos escuchar pulsando el siguiente enlace de "goear":


«Aquil señor burgués condecorado,
usía ou excelencia ben cebado,
que ronca con pracer na noite longa
e ten muller feliz, de teta oblonga,
con dous fillos petisos, deportistas,
un poco libertinos e “juerguistas”,
idiotas pola nai, polo pai, grosos;
pondo dentes de can que venta os osos,
ponse a rosmar e morde:
“Eu prefiro a inxusticia ao desorde.”».
(“Goethe”. Miro Casabella - Celso Emilio Ferreiro).

«Aquel señor burgués condecorado,/ usía o excelencia bien cebado,/ que ronca con placer en la noche larga,/ y tieme mujer feliz, de teta oblonga,/ con dos hijos menguados, deportistas,/ un poco libertinos y juerguistas,/ idiotas por la madre, por el padre, gordos;/ poniendo dientes de perro que husmea los huesos,/ se pone a gruñir y muerde:/ “Yo prefiero la injusticia al desorden”». (“Goethe”. Miro Casabella - Celso Emilio Ferreiro).

Por otra parte, desde el punto de vista cultural, la represión y el colonialismo eran especialmente graves; respecto a la lengua gallega se había convertido en una forma de expresión y de comunicación característica del mundo rural y de los desheredados; un claro signo de incultura. «Escribir o cantar en gallego en aquel tiempo–nos dice el profesor Xexus Alonso Monteroolía a provocación, a desafía y a temeridad». Concretamente, Bibiano, uno de los creadores más importantes de la "nueva canción gallega", le contaba a Víctor Claudín, en su libro "Canción de autor en España" (Ed. Júcar, 1981), lo siguiente:


«En mi casa no se hablaba gallego, no lo hablaba nadie a mi alrededor; sólo hablaban gallego la lechera, mi madre a mi tío cuando discutían, o cuando se querían decir algo de mucha confianza». (Por supuesto, los poetas que escribían en aquel momento en gallego, eran prácticamente ignorados, aunque nunca borrados de la historia de la literatura, porque es imposible borrar la palabra limpia y el sentimiento vivo de los grandes poetas).

Respecto a la música la situación era igualmente castrante; toda la inmensa riqueza del folklore gallego tradicional, la Sección Femenina –rama femenina de la Falange Española– se había encargado de teñirla de azul patrio, y de encorsetarla en discretísimos, y siempre muy decentes "pololos"–pantalones semicortos y anchísimos, de color azul–, o en trajes y danzas seudoregionales que eran que eran el uniforme y el baile oficial y popular de aquellas soporíficas e inolvidables demostraciones sindicales –«las gaitas estaban adormecidas y los "pandeiros" parecía sonámbulos»–. Por el otro frente, el de los medios de comunicación, la tópica "canción española" y el "pop" también arrasaban en Galicia.

En medio de toda esta situación –y la historia vuelve a repetirse–, grupos de jóvenes, muchos de ellos estudiantes universitarios y cristianos progresistas, empezaron a revelarse. Concretamente, en 1965, se crea en la Universidad de Santiago, dentro de la Facultad de Ciencias, un grupo político llamado ADE (Acción Democrática Estudiantil); entre los creadores de aquel grupo, que tendrá una gran repercusión sobre el desarrollo y la evolución de la cultura gallega, se encuentra Benedicto, al que podríamos llamar realmente el feliz y necesario culpable de todo el movimiento de la "nueva canción gallega", que se iniciaría a partir de entonces. (El viene a ser algo similar a lo que fue Raimon para la "nova cançó", o como Mikel Laboa para la canción vasca).

Miro Casabella en primer plano. Detrás Benedicto
hablando con Raimon.

En el próximo "cuelgue" dedicado a la "auto-copia" de mi libro "Crónica cantada de los silencios rotos", abordaré el nacimiento y la evolución de la "nueva canción gallega" surgida a partir de 1965.

«EL MANIN». DE COMO LA "VISCERALIDAD" PINTA BELLEZA, BUEN ARTE Y CALIDAD... «¡ES BUENO, MI HERMANO!... ¡ES MUY BUENO!».

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Para empezar este "cuelgue" he de confesar una de mis pequeñas obsesiones; es muy tonta, pero ahí está, y además me persigue desde hace bastante tiempo. Se trata de lo siguiente: Cuando veo por televisión la entrega de los Oscar de Cine, o los premios Goya, me causa mucha más atracción –más "morbo"– la persona que recibe el llamado "premio al mejor actor o actriz «de reparto»", que aquella otra a la que se le adjudica, así, "a secas" lo de "mejor actriz" o "mejor actor".

En realidad la diferencia entre una y otra clase de premio es mínima, creo que profesionalmente ninguna. Por ejemplo, yo gocé como un loco cuando le dieron el "premio Goya a la mejor actriz de «reparto»" a Carmen Maura, a Charo López o a María Asquerino; o, en el caso de los chicos, cuando se lo concedieron a Juan Diego, a Fernando Fernán Gómez o a Emilio Gutiérrez Caba. (Es más, con frecuencia los actores y las actrices "de reparto" son mejores que las/los que ganan el Goya, o el Oscar, al mejor actor o a la mejor actriz).

Cuento esto, porque en el caso de la música, me pasa algo muy parecido. A mi, desde siempre, me han fascinado en los recitales y en los conciertos –de una forma bastante obsesiva– los que también podríamos llamar –utilizando la jerga cinematográfica– "músicos de reparto".


Recuerdo perfectamente la impresión y en impacto que hace años me causaron músicos como Karlos Giménez–extraordinario pianista que solía acompañar a Imanol Larzabal–; Lautaro Rosas, músico multi-instrumentista que ha tocado frecuentemente con María del Mar Bonet; Ricard Millares con Serrat; Antonio Sánchez en "La Mandrágora"; José Antonio Romero con Hilario y con Sabina; Jean Pierre TorloisAntonio Toledo, Pancho Varona, Nicolás Medina, Cristina Narea –haciendo coros–; o, más recientemente, Manu Clavijo, Samuel Vidal, Albert Anguela, Jordi Pinyol, Marino Saiz, Adán Latonda, Neftali Robaina –nunca olvidaré el primer día que le escuché tocar el saxo en un concierto de Diego Ojeda–...; y un amplio –¡muy amplio listado!– de muy buenos músicos. (Llevo tiempo madurando el proyecto de escribir un libro dedicado precisamente a estos grandísimos "músicos de reparto" que a veces nos pasan desapercibidos).

Pues bien, hoy quiero dedicarle este "cuelgue" a un músico al que he perseguido, últimamente, como colaborador y "músico de reparto" en hermosas y magníficas grabaciones discográficas como las de Rozalén, Mundo Chillón, El Kanka o Dani Fernán. Persecución que se transformó en el más puro "encantamiento" cuando, hace unas semanas, le vi, le escuché y le sentí en la Sala Libertad 8 acompañando a El Kanka. Me estoy refiriendo, concretamente, a Juan Rubio "EL MANIN".

El Manin. (Fotografía de Inés Poveda).

"El Manin" es un músico visceral –de raíz y de instinto– que posee el nada fácil arte de contagiarte –casi sin que te des cuenta– de todo el ritmo, el encanto, el humor, la magia, el inconformismo y los misterios que atesora en lo que yo llamaría su "visceralidad musical", o sea, en la profundidad de la pasión –libre, espontánea y desprejuiciada– que siente hacia la música en su estado más puro y natural: el que nace de dentro, sin pautas, ni notas, ni partituras... Todo eso, si fuera necesario, vendría después.

"El Manin" es un músico que, además, tiene la capacidad de sorprenderte, de introducirte inesperadamene en lo inesperado de su fantasía y de su universo, y de hacerte disfrutar –¡siempre!– con total espontaneidad; sin que nada en él esté forzado... Es un músico que respira y transmite una salvaje y admirable autenticidad.  Él compone, acompaña, canta, comenta e interpreta tal cual es... ¡como le sale!... ¡y lo que resulta en este caso mas alucinante, es lo bueno que es su arte y lo bien que le sale!. 

Si todo ello se funde con la genialidad de El Kanka, el resultado es explosivo; es una explosión de belleza, de sensibilidad, de alegría, de buen humor y buen amor –buen rollo–, de libertad, y, a la vez, de sanas y descaradas indignaciones que hoy por hoy son imprescindibles ante tanta represión y tanta "mierda" como muchos –de los de "los poderes"– pretenden echarnos por encima.

Como ejemplo y testimonio de todo lo dicho os propongo ver y escuchar el siguiente video de El Kanka y El Manin, en el que El Manin presenta e interpreta su canción "Tururú, trabaja tú":


«Ya dejé de estar cansado, estresado y preocupado
ya dejé de andar deprisa, de ir a misa mal rezado
me arrancaron la sonrisa, la del gato atropellado
me he partido la camisa y el sudor se me ha secado.

No canto más la canción, al alba misa de gallo
comencé volando raso y en un zarpazo me hallo
sobrevínome un ocaso que despierta los vasallos 
y de mi tiempo, antes escaso, beso ahora agua de mayo. 

No me habría yo fijado en el verde de los cedros
en esos cerdos de verde o el ladrido de mi perro.
Hoy la tapa del domingo no es tan “aprisa y corriendo”
ni el alba pegando un brinco me brinda mas sufrimiento

Vengan jueces, abogados, licenciados, magistrados,
que este hereje mequetrefe de muerto ha resucitado.
Y atiendan bien el presente que les presenta un gurú
si me dejan que lo piense les contesto... tururú

¡Tururu Tururu Tururu Trabaja Tú!

No entiendes ni por asomo como funciona la vida
la movida es que no como desde tu gran despedida.
Que me parece excelente la verdad contemplativa
pero este insaciable vientre no funciona sin comida. 

Y como parte de este cuerpo tengo derecho a opinar
que me tienes en barbecho, deshecho y sin trajinar.
Y ahí va el tío sacando pecho, y yo cayendo al abismo
reivindico mis derechos, soy parte de este organismo.

Alitas de pollo, chorizo criollo, 
revuelto de sepias, con gambas, centollos,
lacón a la brasa, salmón de Noruega, 
papas con repollo, cocido, paella,
las fresas con nata, jamón de dehesa, 
¡Qué rico churrasco y su vino de mesa!

¡Tarará Tarará Tarará Trabaja Ya!». 

Como se habrá podido comprobar en el vídeo anterior,  El Manin además de músico "in-vena", y de director de orquesta de encantos, ocurrencias, sarcasmos y sensibilidades, es un "poetisatírico" extraordinario –gracias a él me he inventado esa "palabreja"...; y es que en principio le va, ¡que ni "pintao"!–.

El Manin. (Fotografía de Inés Poveda).

El Manin es un "poetisatírico" que escribe y compone hermosas canciones satíticas y críticas –o de "denuncia", ¿por qué no?, a la antigua usanza "cantautoril"–, y es, a la vez, un poeta –también "visceral", como su música– de enorme sensibilidad y con una gran capacidad para jugar, entrecruzar y remodelar los contenidos y las significaciones del lenguaje.

No sé cuántas veces he leído la letra de su canción "Periodo de entreguerras" y cuántas la he escuchado...; cada vez que lo he hecho ha surgido un matiz o un nuevo hallazgo para mi particular "flipamiento" hacia este "musicazo de reparto"... ¡El Manin es bueno, si hermano, muy bueno!... ¡Escucha y verás!


«Cuando te nombro te escapas porque mi nombre es tu vicio
y del suco que tu me sacas cuando me sacas de quicio
más sacas cuando me empujas y caigo en tu precipicio.

Cuando te nombro te escapas y al rato salgo a buscarte
y para encontrarte en un mapa hay que tener mucho arte
hartarse de dar la chapa o acecharte en cualquier parte.

Y como soy buen soldado en el campo de batalla
vengo bien aleccionado de cosas que nunca fallan,
el amor a la bandera y ¡hasta la victoria siempre!
son las sendas que me llevan junto al feudo de tu vientre.

Yo te busco, tu me encuentras, desde Andorra hasta Canberra.
Me emperro en firmar la paz, tanta hostilidad me aterra, 
Tres chatitos en un bar, hoy... ¡periodo de entreguerras!

Vamos cayendo al abismo con dos copillas de más
desnudos, desparramados como agüita en el sofá.
Se ha roto el paracaídas más fuerte el golpe será
hay un barco a la deriva, ¿en qué puerto amarrará?

Una vez firmado el trato me refugio en tus estancias
pero en un rato ya estamos disparándonos falacias 
que esta guerra no se acaba con cava, ni diplomacia  (¡ni democracia!)

Vamos cayendo al abismo con dos copillas de más
desnudos, desparramados, como agüita en el sofá.
Se ha roto el paracaídas más fuerte el golpe será
hay un barco a la deriva, ¿en qué puerto amarrará?

Yo te busco, tu me encuentras, desde Andorra hasta Canberra.
Me emperro en firmar la paz, tanta hostilidad me aterra, 
Tres chatitos en un bar, hoy... ¡periodo de entreguerras!».

Cualquier día de estos escuchamos, disfrutamos y comentamos, aquí DONDE LA PALABRA SE HACE MÚSICA, alguna que otra canción de El Manin, ¡seguro que no podré remediarlo!, ¡ya no está uno para contenciones y estados represivos!... Mientras tanto yo le pediría a Juan Rubio que sin abandonar lo que hace, ¡que es muy bueno! –la pareja Kanka-Manin ya empieza a ser historia perdurable de nuestra música popular–, se aventure a proporcionarnos un disco con sus canciones pa'que to er'mundo pueda disfrutarlas y, sobre todo, para darle un empujoncito más de alegría, de ternura y de buen hacer a este mundo que ¡sí!..., que podría llegar a ser maravilloso.


«Érase una vez un reino maravilloso
donde brota la abundancia que evidencia a los dichosos
donde los súbditos cenan en púlpitos de emperatrices
animándose las almas entre guisos de perdíces.

Un reino de oro y diamantes de promesas sin preguntas
con remesas elegantes, sin cabezas de segunda.
Una patria solidaria que no entiende de reproches
de corbatas solitarias que redundan en sus coches.

Y todos van para una, y unos van para todos 
me visto como tu quieres, me compro un traje de loro.
Y cada mocho a su olivo, y cada vivo a su lecho
y puedes pedir perdón mientras te leen los derechos.

Si perdemos la pasión por culpa del “no lo intento”
habrá que estar más atentos a esta falta de atención.
Ya no nos quedan guaridas, ni el hospicio ni el convento 
no desperdicies la vida, invéntate el final del cuento.

Vente que te cuente el cuento de unas tierras legendarias
que aquí las hadas del bosque trabajan de funcionarias.
¿Por qué no nos damos cuenta si encima mienten los mismos, 
y siempre a la cenicienta la acusan de terrorismo?

Y aquí el que menos se raja no mira ni de “costao”
Me ha dicho el Maquinavaja, que ahora está “jubilao”,
que menudo desperdicio el pobre de Robin Hood 
se ha quedado sin oficio y ahora curra en Carrefour.

Si perdemos la pasión por culpa del “no lo intento”
habrá que estar más atentos a esta falta de atención.
Ya no nos quedan guaridas, ni el hospicio ni el convento 
no desperdicies la vida, invéntate el final del cuento».
("Reino maravilloso". El Manin).
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